“mov-s/madrid 2010″ – El Espectador Activo

Texto de presentación de “mov-s/madrid 2010″ que tendrá lugar en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y espacios escénicos de la ciudad del 10 al 13 de Junio. Información en www.mov-s.org

Bajo el título genérico del “Espectador Activo”, la tercera edición del mov-s pretende profundizar en la realidad del público actual; cómo puede enriquecerse pasando de espectador pasivo a espectador emancipado y resuelto a ser protagonista en su relación con el artista. Considerar un espectador involucrado íntimamente con el trabajo del artista es un camino poco explorado por las artes, en particular por la danza y las artes del movimiento, como camino para el acceso de un mayor número de personas a la creación artística.

“Bal Moderne” de la compañía de danza Rosas: “El espectador también puede bailar”

Los aspectos que hacen de las personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la creación escénica contemporánea, van de la mano del conocimiento y la interacción con los artistas. Además, en numerosas ocasiones, es la propia actividad creativa del espectador o de su comunidad la verdadera autora de la obra artística. Por otra parte, para conocer mejor el espectador hay que tener en cuenta que actualmente la participación no conoce distancias geográficas ni se ciñe a tiempos preestablecidos, por lo que las redes o comunidades se flexibilizan hasta alcanzar formas, tamaños y ámbitos inusuales.

Cesc Gelabert baila con los jóvenes en un centro de enseñanza de Barcelona

Tanto artistas como responsables de centros artísticos, programadores o instituciones, consideran la presencia y el crecimiento del número de espectadores como labor prioritaria. Desgraciadamente esta es una tarea muchas veces condenada al fracaso cuando los métodos de desarrollo de las audiencias se han centrado únicamente en el más puro estilo del márqueting clásico. La apuesta por otro tipo de relación con el espectador que se sustente también en otro tipo de artes escénicas abre nuevos caminos aún por indagar.

“Ruedapies Danza”: La danza como elemento integrador.

Para profundizar en los diferentes matices referentes al “Espectador Activo” se invitará a expertos teóricos nacionales e internacionales y a profesionales que, a partir de su experiencia, destacan por su conocimiento del espectador y por desarrollar actividades de acercamiento al espectador. Los invitados detallarán sus propuestas en sesiones plenarias para que después sean los “espectadores” participantes en el mov-s quienes tomen la palabra en grupos más reducidos.

FELIZ AÑO 2010

Grandes artistas nos dejaron en 2009 pero, sin duda, en 2010 seguiremos disfrutando de su talento y  del de muchísimos más que aun nos quedan por descubrir.

La Verdadera Función del Ministerio de Cultura

La Ministra de Cultura de España

Estos días hemos asistido en España a la primera revuelta en Internet contra el propósito del Ministerio de Cultura, con su ministra al frente, de mutilar los avances de la sociedad de la comunicación. La posición del Ministerio de Cultura ha sido de apoyo total a las industrias culturales aunque esto significara ir a contracorriente del propio desarrollo cultural.

Que un ministro de un estado del mundo occidental desarrollado defienda el papel de las industrias de la cultura, el ocio y el entretenimiento como vector de desarrollo económico no es extraño en sí mismo. Es la ley del capitalismo que confía en el consumo y en la mercantilización de la vida para que todo el mundo pueda vivir con un nivel de comodidad y consumo propio de las sociedades supuestamente avanzadas. Para conseguirlo, los gobiernos se han dotado de potentes instrumentos de planificación y desarrollo económico en forma de ministerios de Comercio, de Industria, de Turismo, etc. Todos orientados al desarrollo de las industrias que generan desarrollo económico.

Reunión en el Ministerio de Cultura. Foto: Enrique Dans

Ya que existen todos estos instrumentos, ¿para que tener uno más para el desarrollo de la industria cultural? Si la política cultural española ha de ser mayoritariamente de apoyo a la industria cultural no sería mejor que estuviese en manos del Ministerio de Industria que lleva más años y experiencia en esto. Yo mismo cuando ejercía de Ingeniero trabajé muchos años de freelance para el Departamento de Industria   de la Generalitat de Cataluña.  Mis colegas, ingenieros, economistas, eran francamente buenos. Tenían una formación impecable, hablaban idiomas, asistían habitualmente a jornadas y congresos internacionales donde mostraban una gran curiosidad para proseguir una formación que nunca terminaban. Leían revistas especializadas de todo el mundo  que les mantenían al corriente de los últimos desarrollos tecnológicos en la materia que les interesase. Con este panorama ¿por qué no dejarles a ellos también el desarrollo de las industrias de la cultura y el ocio?

Los ministros cambian pero las políticas culturales en España son las mismas

La opción del Ministerio de Cultura “Industrial” sería echar el cierre y así ahorrar buenos dinerillos al erario público. Aunque, evidentemente, otra opción sería ocuparse realmente en hacer crecer la cultura y el arte y, además, hacerlos accesible a la mayoría de los ciudadanos. Para esto, ante todo, debería preocuparse  del desarrollo de la creación, de manera  que los artistas puedan desempeñar su trabajo en condiciones, buscando la calidad y la originalidad en sus propuestas. Además, hacer que esta creación llegue a la sociedad sin desvirtuarse ni banalizar el contenido en aras a una mayor facilidad de difusión. Fomentar la educación en las artes en una sociedad claramente deficitaria de ella y, de la misma manera, estimular la parte creativa que todos tenemos, compartiendo los contenidos, las obras, los hallazgos. En definitiva, dedicarse a la cultura del futuro en donde las redes sociales, la circulación del conocimiento y la participación sean libres y accesibles para todos.

Textos de la ponencias “Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis” de la “Feria de Huesca”

Un año más la “Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca” ha cumplido con el reto de servir de aparador de la danza y del teatro contemporáneo y, con esto, favorecer su circulación extensivamente por los teatros y espacios escénicos.

Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Juntamente a la presentación de las obras de los artistas escénicos, en la “Feria de Huesca” se han revisado las nuevas ideas que han de ayudar a dar contenido a la producción y difusión de las artes escénicas contemporáneas.

Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Las “Jornadas Internacionales de Artes Escénicas” estuvieron marcadas por la expectación ante el surgimiento de un nuevo paradigma de la difusión escénica. Con la esperanza de que este nuevo paradigma ha de transformar muchas de las incomodas realidades en que se encuentra inmersa la gestión de la cultura en la actualidad, la “Jornadas Internacionales” desgranaron una a una las “Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis” y en los tiempos posteriores que han de venir.

Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Ya pueden leerse las ponencias presentadas en la Feria de Huesca descargandolas del enlace: http://www.feriadeteatroydanza.com/es/jornadas/ . Una documentación muy valiosa que permitirá  proyectar el debate mucho más allá de lo que fue la propia Feria.

El Teatro Popular También ha de ser Contemporáneo. Un buen ejemplo.

Teatro Comunitario de Rotterdam

Una preocupación que siempre me ha acompañado ha sido conciliar el arte contemporáneo con la práctica amateur. Hoy por hoy por un lado encontramos el trabajo de artistas profesionales que ofrecen nuevas lecturas del mundo que nos toca vivir, y del otro, una práctica amateur que mayoritariamente repite modelos y estereotipos arcaicos. En el teatro está práctica es más que evidente y la actividad amateur se queda en mera comedia; pobremente interpretada en un intento de emular a los intérpretes reconocidos.
No tiene mucho sentido considerar la práctica amateur o “comunitaria” si los resultados no ofrecen nada nuevo, si sólo ofrecen entretenimiento barato para familias y amigos; la justificación de la “cohesión social” no se sostiene por si sola. Tampoco me contento con pensar que en la práctica “comunitaria” lo que importa es el proceso y no el resultado ya que si el proceso es bueno, el resultado que se muestre debería estar a la altura de este proceso.

Comiendo y actuando

Mi impresión es que hay que cambiar la cultura de la práctica amateur adaptándola a los nuevos tiempos y que hay que exigir una ambición artística de la cual en la mayoría de los casos se carece. Anteponer calidad, contemporaneidad y profesionalidad no ha de ser contradictorio con el trabajo de personas que sienten las artes escénicas lejos de su actividad habitual o como vehículo para conectar con la realidad de las personas de su entorno.

Variedad de espacios y disciplinas en el teatro comunitario

Explico esto porque hace un par de semanas tuve la oportunidad de ver un trabajo del grupo de teatro holandés “Rotterdams Wijktheater – RWT” (la traducción más o menos sería “Grupo de Teatro Comunitario de Rotterdam”). Este grupo de teatro es un buen ejemplo de la manera efectiva con que se puede trabajar con las personas del barrio y hablar de la realidad del entorno que les rodea. En realidad se trata de un grupo profesional que realiza todas sus producciones con gente amateur. Durante un periodo de tiempo realizan un trabajo de dramaturgia e interpretación con la gente del barrio, de manera que al final sale un espectáculo interpretado por los propios vecinos que hablan de la realidad cotidiana de ellos mismos.

Encuentro multietnico

El espectáculo que pude ver en Rotterdam se titulaba “Kaap Goede Hoop” (Cabo de Buena Esperanza) y hacía un recorrido por un barrio degradado de la ciudad en donde sus habitantes explicaban sus vivencias, recuerdos y relaciones. Durante cuatro horas y en distintos espacios del barrio, los vecinos revivían su pasado y se enfrentaban al presente multiétnico e intergeneracional con total voluntad de superar las diferencias que los separan.

Lo más interesante de la experiencia es que los actores se enfrentaban a sus personajes con total naturalidad sin querer expresar nada más allá de lo que ellos mismos son. Por otra parte se utilizaban los recursos expresivos que cada uno de ellos posee sin querer obtener resultados de sus carencias naturales. Además, la acción se adaptaba a los espacios que se visitaban (casas de vecinos, bares, gimnasios, patios, etc.) y no al revés, de manera que el relato era perfectamente coherente con el entorno.

En definitiva, la apuesta por un teatro participativo, comunitario o amateur además de ser totalmente necesaria para ampliar la actividad artística en nuestra sociedad, debe ser hecha con rigor, primando la calidad, utilizando los recursos escénicos naturales de las persones y hablar de la realidad profunda de estas personas y sus comunidades.

WordPress en Twitter

Lo excepcional de las herramientas de las redes sociales es que todas están interconectadas. Publico un artículo en mi blog de WordPress y inmediatamente pasa a Twitter.

Al tener Twitter conectado con Facebook, pues va directamente a Facebook, y asi hasta le infinito. Cosas de la técnica.

Solo es una prueva pero si quieres seguir leyendo puedes ir a los otros artículos de este blog o a los blogs en Inglés y Catalán.

Comparando Modelos de Gestión de Teatros: Reino Unido y Alemania

A raíz de los estudios realizados sobre los modelos de gestión de espacios escénicos en el Reino Unido y Alemania, la Red de Teatros Públicos de España me pidió realizar un estudio comparativo de los dos modelos y darlo a conocer públicamente en su Asamblea General.

Comparativa de modelos de gestión de teatros

En el siguiente enlace se puede acceder a la Presentación que preparé para la ocasión. En ella se puede observar las principales características que diferencian los dos modelos.

Diferentes conceptos en culturas diferentes

Si ya os habéis leído los estudios sobre los teatros de Londres y de Berlín publicados hace unos días entenderéis mucho mejor las diferencias. En todo caso para quien no se los haya leído puede entender fácilmente los temas generales distintivos de cada modelo. Asimismo encontrareis tablas que comparan los datos de gestión de parejas de teatros similares de Londres y de Berlín. Entre otros encontrareis los datos comparados del “National Theatre” con el “Deutsches Theater”, el “BAC” de Londres con el “HAU” de Berlín o el “Oxford Playhouse” de Oxford con el “Hans Otto” de Potsdam.

Comparando teatro a teatro

Una tabla bastante completa me lleva a sistematizar para buena parte del mundo los diferentes modelos de gestión de los espacios escénicos atendiendo a la estructura de su presupuesto de ingresos.

Modelos segun estructura de los ingresos

Espero que atendiendo a la diversidad de modelos de gestión que se da en el Planeta, podáis hacer avanzar la gestión de vuestro propio espacio o centro cultural. Al menos entender que el mundo está mucho más allá de donde el dedo índice señala.

La Moral Presidencialista del Consejo de las Artes de Cataluña

(publicado originalmente en catalán)

La semana pasada conocí por “filtraciones” a la prensa la grave crisis que estaba atravesando el CoNCA (Consejo de las Artes de Cataluña). A muy pocos meses de su nacimiento y después de tantos esfuerzos y confrontaciones para renovar el modelo de gestión de la cultura de Cataluña parece que este se tambalea, y precisamente por cuestiones internas.

Foto de familia del día que se aprobó la ley. Nos la prometíamos felices

Al introducir este nuevo modelo muchos profesionales de la cultura nos implicamos para desarrollar unas formas de organización que anulasen tantas limitaciones a la democracia que, en particular, arrastran los países latinos. Especialmente el sector cultural se ve muy afectado por el clientelismo político, el amiguismo y la falta de autonomía. El nuevo modelo debía dar capacidad a los artistas y profesionales de las artes para decidir sobre las ayudas públicas y las políticas de desarrollo y difusión de las artes.

El modelo de Consejo de las Artes representa también una nueva manera de tomar decisiones. Este plantea un funcionamiento horizontal y participativo en que los propios profesionales del sector actúan como expertos conocedores de la realidad cultural. Este sistema conocido como “evaluación entre iguales” (peer assessment en lenguaje internacional) pretende que el funcionamiento de los Consejo de las Artes sea más democrático y escape de personalismos y decisiones unipersonales.

El Presidente desautorizado

La crisis del CoNCA, según comenta mayoritariamente la prensa, ha sido debida al enfrentamiento de los Consejeros contra un Presidente tildado de “autoritario” y “presidencialista”. Este Presidente Xavier Bru de Sala ha sido rechazado mayoritariamente por 10 profesionales de la cultura y las artes de larga trayectoria y reconocido criterio profesional y, este hecho, no se puede dejar de lado actuando de la forma tan catalana de “la ropa sucia se limpia en casa”. De ninguna manera, este tema es fundamental para avanzar en los comportamientos democráticos de las personas y, especialmente, del sector de la cultura.

Hoy el problema de la credibilidad de nuestras instituciones no está tanto en las leyes como en la “actitud” de las personas acomodadas a los estilos de los clanes jerárquicos. Como si necesitáramos la tutela de la autoridad para decidir nuestro destino sin pelearnos. Es al contrario, son las imposiciones de los autoritarios lo que nos lleva a tener que pelear.

La solución al problema del CoNCA es evidente y así la ha tomado de manera valiente la mayoría del Consejo de las Artes de Cataluña. Este señor tenía que dimitir y dar paso a un funcionamiento colegiado, consensuando las principales decisiones entre todos sus miembros. A partir de ahora el Consejo debe seguir trabajando en los temas que preocupan e invertir la crisis en una oportunidad para profundizar más en el modelo que todavía está prácticamente por descubrir.

Parece mentira que en un momento de la historia en que los humanos nos comunicamos y participamos de manera horizontal en redes globales todavía haya personas (y otras que les dan apoyo) que no entiendan que el mundo evoluciona en otra dirección. Ahora mismo oigo en la radio referencias a la famosa fase del ex vicepresidente del Gobierno español Alfonso Guerra cuando dijo “quien se mueva no sale en la foto”. Este personal autoritario debería aprender a demostrar su liderazgo convenciendo de la bondad de sus propuestas y no imponiéndose utilizando un autoritarismo caduco.

Los Teatros de Londres. Manual para Gestores Culturales

Siguiendo con la serie de manuales surgidos a partir de los viajes de formación de la Red de Teatros Públicos de España os voy a presentar hoy el de los teatros de Londres. El manual lo podéis descargar en esta dirección  http://www.redescena.net/descargas/proyectos/londresfinal.pdf

Teatro Roundhouse de Londres

El informe está dividido en dos partes. La primera define exhaustivamente el modelo Británico de gestión de espacios escénicos sin ánimo de lucro y la política cultural del estado británico respecto a las artes escénicas. Ya en la segunda parte, se ofrece informaciones muy detalladas de las políticas artísticas, de captación de público, educativas y comunitarias. Además los conceptos descritos van acompañados de los principales datos relativos al presupuesto, audiencia, espacios escénicos, etc.

Los teatros descritos en el informe están divididos en tres grupos. Por un lado, los que hacen de Londres una de las capitales del teatro a nivel mundial. De estos hemos escogido el National Theatre, el Southbank Centre, el Royal Court Theatre y el Sadler’s Well. Un segundo grupo es el formado por espacios escénicos mayormente vinculados a la realidad social de los distintos barrios o colectivos sociales de la ciudad. Estos son: el Roundouse, Theatre Royal Stratford East, Battersea Arts Centre – BAC y Unicorn. Por último, salimos de Londres para adentrarnos en la realidad de un teatro regional. En este caso el teatro elegido es el Oxford Playhouse de la ciudad de Oxford.

Espero que este manual, junto con el de Berlín, y con los que posteriormente vayamos publicando, pueda servir de ayuda para comprender los diferentes modelos que existen en Europa para gestionar los espacios escénicos y culturales.

Los Teatros de Berlín. Manual para Gestores Culturales

A raíz del viaje que organicé el año pasado a Berlín para la Red de Teatros Públicos de España, se ha editado este manual de los principales teatros de esta ciudad. El informe se puede descargar en http://www.redescena.net/descargas/proyectos/berlinfinal.pdf

Volksbühne de Berlin

Me parece de lectura recomendada para los gestores culturales de teatros y espacios escénicos. No solo por la información que da sino para conocer otras visiones y maneras de gestionar un espacio cultural diferentes y singulares respecto a otros países como España. El modelo de Repertorio alemán queda perfectamente definido e identificado en este manual.

En el podréis encontrar los rasgos característicos de teatros de histórica solera como el  Schaubühne, Deutsches Theater o Volksbühne; espacios escénicos ligados a los movimientos más vanguardistas de Berlin como  HAU 1,2,3, Radialsystem o Sophiensaele, y lo más clásico y conservador de Berlin como el Staatsballett Berlin y la Staatsoper unter den Linden. También encontrareis una visión horizontal de la estructura de creación y exhibición escénica de una ciudad mediana como Potsdam.