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El dominio “culturaespolitica.com” unifica los tres blogs, en tres idiomas diferentes, en donde he estado publicando en los últimos años. Ahora los tres idiomas vendrán clasificados por tres “Categorías” diferentes.

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La actividad freelance está considerada en el Reino Unido como una más en el sistema de operar de los sectores culturales. Se confía en el consultor con la garantía de que su criterio tiene el valor de la experiencia, la objetividad, la visión abierta y flexible que no está influenciada por los lastres de la organización a la que atiende. El consultor freelance se adapta a equipos de trabajo ya consolidados o crea nuevos para desarrollar proyectos e investigaciones. En este sentido, se apunta como valor, la reducción de costos en las organizaciones ya que estas pueden dedicar su personal a tareas directamente ligadas a la producción, o a la planificación, supervisión y evaluación, en caso de instituciones públicas.

En mi opinión, el sector cultural en España, aun está lejos de asumir la necesidad de consultores culturales externos. En otros sectores están plenamente integrados. Tengo que decir que mi experiencia como consultor freelance no es únicamente en el sector cultural, también trabajé muchos años en el sector industrial energético como ingeniero freelance, experto en nuevas tecnologías para el ahorro energético. Así, puedo afirmar que en otros ramos de actividad esta figura está más valorada y estimulado su desarrollo profesional. Probablemente, los consultores en gestión de empresas son el grupo que más aceptación tienen en el mercado profesional. Incluso en el sector cultural algunas instituciones públicas confían más en consultores en gestión empresarial que en gestores culturales independientes para tratar temas de los cuales, en muchos casos, no tienen experiencia real.

Me preocupa el posicionamiento de los partidos políticos en España cuando defienden nuevos modelos de gestión de la cultura para salir de la crisis y para después de la crisis. En la línea ideológica general que apuntan de reducir el sector público y estimular la iniciativa privada y el emprendizaje, actúan en la  dirección opuesta. Si iniciativa privada y emprendizaje en el sector cultural significa: artistas, compañías artísticas, empresas o autónomos, no veo una acción clara y decidida que apueste por su fortalecimiento, desarrollo y subsistencia. Ante el actual desmantelamiento de amplios sectores de la producción artística en España y, por lo tanto, de toda la “industria” derivada, la actitud de la administración pública es de pasividad. No hay planes de rescate, ni planes de reconversión, ¿dónde está el apoyo a la industria?. Bien, probablemente estos políticos y gestores públicos únicamente consideran como sector privado e industria cultural a las grandes empresas con voluntad decididamente mercantil. Pero el sector cultural privado es mucho más. Además, se vuelve atrás en políticas que ya apuntaban en la dirección de liberarse de la gestión directa, con el caso del Consejo de las Artes de Cataluña o el Centro Niemeyer como ejemplos actuales y paradigmáticos.

En definitiva mucho camino queda por recorrer aún para comprender que no es incompatible defender la cultura como bien público y gestionar la cultura desde fuera de la administración pública. Que una cosa es privatizar para el beneficio mercantil y otra dejar que sea la sociedad (también llamada iniciativa privada) la que gestione los proyectos culturales con vocación de bien común. Las dos formas son aceptables y deben convivir. En este escenario de mayor exigencia en la gestión de estructuras culturales, va a ser donde los profesionales consultores serán indispensables para ofrecer de manera independiente visiones expertas y abiertas; germen de la necesaria innovación que necesita nuestra sociedad.

El motivo de mi desplazamiento es estudiar las oportunidades que esta ciudad y el Reino Unido ofrecen al desarrollo profesional en la gestión de las artes escénicas y la cultura. Pretendo establecer contactos, recoger información, construir puentes de colaboración cultural, entre otras actividades de investigación y prospección.

Allí estaré a disposición de quien lo solicite para ayudar a desarrollar nuevos horizontes en base a la internacionalización, la colaboración y el conocimiento documentado.

Seguiré informando.

Los talleres de internacionalización de las artes escénicas tienen por objetivo poner en contacto compañías,  artistas , productores y gestores de las artes escénicas con expertos de la gestión internacional para transmitir conocimientos y buenas prácticas respecto de la proyección internacional.

Los talleres de internacionalización proporcionarán a los participantes una introducción práctica a la:

•  Difusión internacional de las artes escénicas
• Cooperación cultural internacional
• Movilidad internacional de artistas y operadores culturales

Para los días 20, 21 y 22 de Septiembre hemos diseñado para la asociación de compañías de teatro del País Vasco “ESKENA” una serie de talleres continuación de una primera edición ya realizada el año pasado. Estos son tres talleres de cuatro horas de duración cada uno en los que personas de reconocido prestigio internacional compartirán sus conocimientos junto a los asistentes. Los talleres tendrán lugar en el nuevo centro de producción e innovación de las artes escénicas  “Harrobia-Eskena” de Bilbao.

El programa es:

Martes 20 de Septiembre a las 16:00h

Taller 1: Experiencia y buena práctica de un agente internacional de producción y distribución escénica. Prácticas de coproducción. Taller impartido por Koen Vanhove (director de Key Performance – Suecia).

El taller estará orientado en presentar diferentes modelos de colaboración internacional en las artes escénicas ¿Qué significa coproducir? ¿Cómo beneficia al proyecto la implicación de los socios? ¿Cuáles son los retos y las dificultades? De una manera práctica, los participantes discutirán ejemplos y tratarán de formular nuevas recomendaciones para mejorar los modos de colaboración.

Koen Vanhove ha estado activo en las artes escénicas internacionales durante más de 20 años. Actualmente dirige “Key Performance”, empresa de producción, consultoría y distribución internacional con base en Estocolmo.

Anteriormente dirigió diversas compañías de teatro y danza, principalmente Troubleyn / Jan Fabre, en la cual fue responsable de la dirección general y de posicionar el artista en el circuito europeo e internacional.

Miércoles 21 de Septiembre a las 16:00h

Taller 2: Soluciones técnicas para la representación del teatro de texto en países de lengua distinta al de producción. Taller impartido por Pierre-Yves Diez (director de AMDA Production – Aviñón).

En este taller se ofrecerá una introducción a la problemática y a las diversas soluciones técnicas (sobretitulado, etc.) que existen hoy en día para la representación de obras de texto en otros países donde se desconoce la lengua en que está producida.

 Pierre-Yves Diez, informático y persona de teatro, creador del programa de sobretitulado “Torticoli” y fundador de la “Agence méditerranéenne de développement audiovisuel”.

 Es el responsable en el festival de teatro de Aviñón de la traducción y subtitulado de textos teatrales. El sistema “Torticoli” fue un encargo del festival en 1996 para solucionar de manera definitiva sus necesidades de traducción de textos.

Jueves 22 de Septiembre a las 16:00h

Taller 3: Diseño y producción de un proyecto cultural europeo. Taller impartido por Pascal Brunet (director de Relais Culture Europe – Francia)

Los proyectos a escala europea pueden contar con financiación de la Comisión Europea o de otro organismo a escala transnacional. En este taller se pretenderá conocer como se realizan proyectos escénicos de cooperación internacional y las posibilidades de financiación que existen para ellos.

Pascal Brunet es director de “Relais Culture Europe”  desde 2003. Ha trabajado en el sector de las artes escénicas como secretario general del “Grupo de Música Experimental de Bourges”, como co-director de    “L’Isadora – Danses au Centre” y co-director del “Centro Coreográfico Nacional de Rennes y Bretagne”. Activo en la cooperación cultural internacional, es miembro de redes internacionales y foros como Culture Action Europe y IETM.

En la web se reúnen mis actividades y nuevas ambiciones como profesional consultor de la gestión internacional de la cultura. Se recoge una nueva etapa en la evolución de mi carrera profesional en el mundo de la cultura y las artes escénicas de la cual me gustaría haceros partícipes.

Si miráis con detenimiento la web podréis encontrar proyectos, informes, estudios, etc. que he hecho en los últimos seis años y que estoy seguro serán de vuestro interés (muchos de ellos los podréis descargar). Así mismo, encontraréis todo un abanico de nuevos horizontes a las cuales he llegado después de 25 años de trabajo en el sector de la cultura en todo el mundo. Estos horizontes los quiero explorar junto a instituciones, organizaciones y artistas, y facilitarles su labor por abrir nuevos y apasionantes caminos a las artes y a la cultura.

Si necesitáis información en alguno de los aspectos que la web introduce no dudéis en poneros en contacto conmigo. Por otro lado, si creéis que la web puede interesarle a algún conocido vuestro, os ruego le reenvíes esta información.

El sector de la cultura tiene mucho que reivindicar e ir de la mano del movimiento 15-M

Hay muchos temas que nos tienen que hacer reflexionar únicamente leyendo el manifiesto “Democracia Real YA”. Me gustaría citar unos cuantos del sector de la cultura que para mí se encuentran en la base del movimiento social del 15-M. Por supuesto, también hay proyectos que funcionan, organizaciones e instituciones modélicas y personas realmente comprometidas y coherentes pero, estos ya lo saben y no se van a dar por aludidos al leer este texto.

¿Creemos que la cultura está al alcance de todo el mundo y se ha hecho lo necesario para que esto ocurra? En la mayoría de los casos, no. En el modelo de política cultural ha primado la “excelencia” para unos cuantos sobre la creatividad para la mayoría. Los grandes centros culturales (los que recogen la mayoría del dinero público) se orientan a una cultura elitista para espectadores pasivos. Son muy pocos los que proponen alternativas participativas, educativas o de trabajo comunitario con la gente de su entorno. Los centros culturales de proximidad  y centros cívicos por su parte, están desatendidos presupuestariamente y la calidad de sus propuestas son de un nivel extremadamente bajo. Por otro lado el derroche en la construcción o rehabilitación de contenedores culturales (muchos obsoletos para la cultura contemporánea) han beneficiado principalmente al político de turno que lo ha promovido. Ahora muchos de ellos (teatros principalmente) los quieren privatizar pues no saben qué hacer con ellos.

Conocer los modelos internacionales requisito para avanzar

La mercantilización de la cultura y la potenciación por parte de la administración pública de las organizaciones culturales como industrias culturales ha ido progresando sin freno desde la década de los 90.  El neoliberalismo que todo lo envuelve ha provocado que la mayor parte de las artes contemporáneas se consideren mercancía e integrante del sistema de mercado. Se le pide rentabilidad económica (directa o indirectamente) por encima del valor en sí misma, o de otros valores sociales y educativos. Se rebajan planteamientos artísticos hasta llegar a la total banalización para llegar más fácilmente a las personas y vender más. El márquetin clásico se considera la herramienta por excelencia para llegar al público, pasando este a ser consumidor. El valor público de la cultura queda en entredicho al pasar su gestión a manos de empresas privadas lucrativas.

Ágoras de debate en cada rincón y plaza

Por otra parte, nada se hace por mejorar los instrumentos de gestión de la cultura pública y pasarlos a manos de la sociedad civil. La dicotomía perversa que se presenta es: gestión de la cultura por la administración pública o cultura del lucro por las empresas y la industria cultural. No hay sitio para un sector independiente con vocación pública y sin ánimo de lucro.

Y es que la gestión de la cultura por parte de la administración está quedando más y más en entredicho. La injerencia política de los partidos es sofocante en comunidades autónomas, ayuntamientos, sociedades públicas, etc. que ven en la cultura un filón de votos o lugares de trabajo para colocar a “los suyos”, antes que un derecho de la sociedad. La perversión del sistema es tal que, en el momento en que se consigue (después de muchos años de lucha) alguna organización de la administración de la cultura a distancia de la política, como el “Consell de la Cultura de Catalunya”, los políticos de turno siguen dinamitándolo, regateándole un  presupuesto justo y menoscabando su independencia (como de hecho le está pasando actualmente al CoNCA).

Mucho se podría seguir escribiendo, hay tantas cosas de que hablar (la ley Sinde y las sociedades de gestión de derechos, me los dejaba también). El sector de la cultura debe seguir el debate paralelamente con toda la sociedad. Hay que revisar los modelos en profundidad con el objetivo apuntando bien lejos, olvidando los estereotipos recurrentes, mirando lo que se hace en otros países que llevan más años de desarrollo de políticas culturales. Hay que abrir ágoras para el debate y, sobre todo, mantener y potenciar las que ya existen. En definitiva, refundar el modelo cultural del Estado y Comunidades utilizando lo que los de la cultura deberíamos tener bien presente, el sentido común.

El dinero para la cultura cada vez más escaso

En los momentos de la transición española, el consenso social y político alcanzado y recogido en la Constitución garantizó como responsabilidad de los poderes públicos  la tutela y promoción del acceso a la cultura. Esta tutela se concretó en un modelo de financiación directa por parte de las instituciones públicas a semejanza del ya existente desde los años 50-60 en muchos países europeos como Francia, Holanda, Bélgica o Italia.

La Constitución del 78 garantiza el apoyo público a la cultura pero no especifica "cuanto"

En el caso de España este modelo de financiación ha ido cumpliendo con sus responsabilidades aunque nunca ha llegado a situarse a niveles de los países avanzados de Europa como Francia u Holanda.  En España y las Comunidades Autónomas en muy pocas ocasiones los presupuestos públicos de cultura han llegado a superar el 1% del total de sus presupuestos generales. Una situación muy diferente de los países europeos en los cuales se considera como conveniente que el 2% del presupuesto general sea dedicado a cultura. En definitiva, se asumió un modelo público de financiación pero se racaneó en el volumen de los fondos aportados.

Si a la escasez del presupuesto cultural se le añaden los recortes actuales, se puede concluir que las instituciones públicas han jugado mal y a desgana el papel que la Constitución les otorgó en un momento concreto de nuestra historia. Esta dejación de obligaciones impone ir pensando en cambiar el modelo y buscar otras vías.

El otro gran modelo de financiación de la cultura es el llamado modelo anglosajón. En este, son los ciudadanos que proveen fondos a las organizaciones culturales por medio de  donaciones. Así, las donaciones gozan de generosas exenciones fiscales por lo cual los ciudadanos, empresas y organizaciones que las conceden recuperan parte de estas en el momento de pagar sus impuestos. Al final de la cadena de colecta y reparto de fondos, los dos modelos son similares. En el nuestro es el Estado quien recoge los fondos y los distribuye entre los artistas y organizaciones culturales. En el modelo anglosajón, el Estado ya no administra estos fondos y es la sociedad civil quien otorga directamente el dinero que se ahorra al pagar al Estado en forma de impuestos.

El Cirque Eloize de Quebec se mantiene a partir de un interesante modelo de financiación mixta (ver estudio financiación privada en Canadá)

Hace pocos años tuve la oportunidad de estudiar para el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya el modelo anglosajón de financiación privada a la cultura en el Reino Unido y también en Canadá. Se publicaron los dos estudios y recomiendo su lectura para conocer a fondo cómo funciona el sistema. El del Reino Unido se orientó hacia el sector del patrimonio cultural y natural con un ejemplo muy detallado del “National Trust”. Así y todo, el sistema de incentivos fiscales y tipos de organizaciones que intervienen está muy detallado. Ver: “El National Trust en el context polític i legal del suport al patrimoni al Regne Unit” (texto en catalán).

El segundo estudio es de mayor interés ya que Canadá es el lugar del mundo donde mejor se puede confrontar la convivencia e interacción de los dos modelos principales de financiación de la cultura que existen en el mundo. En este estudio me ocupé especialmente de analizar la evolución del contacto entre Quebec, de cultura francófona, y Ontario, muy próxima al modelo anglosajón puro como el de su vecino los Estados Unidos. El resultado fue esperanzador para nuestra realidad actual al comprobar cómo Quebec había asumido una parte importante del modelo anglosajón y Ontario había evolucionado hacía un modelo mixto gracias a su contacto con Quebec. Tanto un país como el otro, igualmente pasa en el Reino Unido, las políticas culturales contemplan la coexistencia de los dos modelos de financiación cosa que no hace sino ampliar las posibilidades y diversificación del origen de fondos para proyectos y organizaciones culturales sin ánimo de lucro. Ver: “El context polític i legal del suport privat a la cultura a Canadà i Quebec” (texto en catalán).

"Grands Ballets Canadiens" se benefician de fuertes donaciones de la sociedad canadiense (ver estudio de caso en estudio sobre financiación privada en Canadá)

En España, si las instituciones públicas por sí mismas no responden a las necesidades de los sectores culturales deben ir pensando (y rápido, pues la situación es crítica) en permitir que la cultura se financie por vías privadas. Esto es, desarrollar un sistema de incentivos fiscales a las donaciones. Además, estimular la creación de Fondos Culturales privados (Trusts en nomenclatura anglosajona) que canalicen las donaciones individuales y corporativas en fondos capaces de asumir políticas de financiación cultural de largo alcance. Por último, deberían empezar a contemplar y tomar en serio los nuevos sistemas de financiación que están surgiendo con el desarrollo de la sociedad 2.0 como es la  microfinanciación privada o Crowfunding.

Para finalizar os dejo un interesante vídeo del festival de Crowfunding organizado en Madrid por CAMON. En el se debate en profundidad los fundamentos de este novedoso sistema: http://www.tucamon.es/contenido/primera-edicion-festival-crowdfunding

El teatro y la danza hecho en Flandes es modelo de proyección internacional

La internacionalización de la cultura y, particularmente, de las artes escénicas es el nuevo gran reto que se le plantea a las políticas culturales en la segunda década del siglo XXI. Si en 30 años se ha podido construir todo un sistema de creación, producción y difusión escénica, se han articulado los sectores en asociaciones y circuitos, se han creado infraestructuras modernas y capaces para acometer los retos culturales planteados, ahora llega el momento de proyectar y compartir todo este capital al resto del mundo.

Un país que tiene las fronteras impermeables a la cultura no crece, no evoluciona ni progresa, no sólo en el sector cultural sino también en todos los otros ámbitos de la sociedad. La cultura y el conocimiento es un motor de progreso humano y social, y su contraste con la realidad internacional es garantía de estar sustentada en bases firmes para desarrollar correctamente los valores que posee.

Visitar otros países y conocer sus experiencias una gran manera de aprender

Desgraciadamente, las artes escénicas es uno de los sectores culturales más ensimismados en sus límites geográficos. Obviamente se puede alegar que el teatro de texto circula mal en otros países. Esto es cierto si se atiende únicamente a que la razón de la internacionalización de la cultura es vender espectáculos y abrir nuevos mercados. Pero, internacionalizar la cultura va mucho más allá e incluye, además de dar a conocer un país, sus sentimientos y sus gentes, descubrir nuevas maneras de crear y producir o desarrollar nuevos tipos de colaboraciones y proyectos. Esto significa, ir más allá de la mera venta de un bolo a un programador.

Priorizar la información sobre la realidad internacional

En un reciente artículo del blog ya comenté cuales son los valores de la internacionalización de las artes escénicas. Estos, como se puede ver en el post son amplios, quizás más que en una empresa mercantil y, por lo tanto, son muchas las oportunidades que se tienen en el proceso de salida al exterior. Desgraciadamente existe una importante carencia de conocimientos y técnicas en compañías y organizaciones para proyectarse al exterior. Además, a las instituciones públicas se les llena la boca de internacionalización pero, en la mayoría de casos, su labor es nula o los planteamientos son erróneos y las estrategias utilizadas no están en sincronía con los objetivos que quieren conseguir.

Es necesario que administraciones públicas, asociaciones y organizaciones paraguas realicen planes estratégicos para la internacionalización. Estos deben alcanzar todos los ámbitos de las artes escénicas pero, fundamentalmente, la creación y producción de todo tipo de experiencias y trabajos escénicos. Deben estar pensados para que participen todos los sectores: instituciones públicas, artistas, compañías, asociaciones, teatros, festivales, etc; la internacionalización es cosa de todos y sólo uniendo fuerzas y complementándolas esta se hará realidad. Así, el plan estratégico debe comenzar por los elementos básicos en formación y acompañamiento, sin olvidar los incentivos económicos o la difusión de información.

Sesión IETM para el networking en Europa

En definitiva, la apuesta por la internacionalización de las artes escénicas es ambiciosa pero, necesaria en los tiempos de globalización y crisis generalizada que el sector y la sociedad está viviendo. Seguramente será una tarea complicada que va a requerir tiempo, no en vano se llevan muchos años de aislamiento pero, de buen seguro, si se empieza a implementar y no se abandona, sus primeros frutos se van a conocer de inmediato.

De Frederic Amat para la campaña "NO retalleu la Cultura"

En épocas de bonanza las estructuras de gestión de los creadores escénicos se amplían para abarcar y controlar directamente nuevos ámbitos de su actividad. Las administraciones públicas lo han favorecido a partir del discurso dominante que considera las artes escénicas como un sector industrial y como tal conformado por empresas culturales eficientes y, por tanto, mercantiles. Además, este ha sido un requisito inamovible para recibir ayudas públicas para compañías. El precario desarrollo de formas legales para organizaciones sin ánimo de lucro en España ha convertido la mayoría de los artistas escénicos en empresarios y al sector de las artes escénicas en un conglomerado de empresas del más puro estilo de la gestión mercantil.

Por supuesto el espacio para empresas mercantiles en el sector de las artes escénicas existe y, como tales, tienen capacidad de crear riqueza y crecimiento económico. Con todo, estas deben asociarse a la industria del espectáculo. Así, las artes escénicas en lo que se refiere a la producción requieren dos tratamientos en relación a sus formas de gestión y jurídicas, de un lado las industriales y del otro las artístico-creativas.

"Yo Doy Valor a las Artes". Campaña por el Valor Público de la Cultura en el Reino Unido

El sector creativo es la maquinaria que aporta la energía necesaria para que las artes se renueven, sean dinámicas y generen valor público en su actividad. Actualmente es un sector emergente de gran futuro al ser un arte presencial, a diferencia de todas las artes emergentes del siglo XXI vinculadas a la virtualidad de las nuevas tecnologías y la cultura audiovisual. Es un sector que genera I+D en la cultura y por tanto, nueva creatividad en la sociedad y ayuda a construir comunidades cohesionadas y activas. 

El sector produce obras artísticas efímeras, fuera de la disciplina temporal y es dependiente de recursos inciertos. Para aprovechar las oportunidades que les da, en cierta medida su “caótica”, pero necesaria, forma de trabajar, las estructuras de gestión han de adaptarse a este sistema y no al contrario. La lógica de la gestión mercantil no es aplicable al 100% de sus capacidades siendo necesario en la mayoría de los casos buscar formas alternativas para gestionar los procesos de producción y distribución.

El trabajo en casa reduce costos y permite compaginar la vida laboral con la familiar

Atendiendo a su orientación al proyecto, estas estructuras de gestión deberán ser ligeras, flexibles y muy probablemente deslocalizadas. Adaptadas a proyectos puntuales y con mucha capacidad de transformación, comunicación y movilidad. Actualmente conseguir equipos consistentes basados en estos principios es mucho más fácil a partir de la generalización de las nuevas tecnologías, la flexibilidad de sus herramientas, el trabajo en red y una mayor consideración social del trabajo en casa. Los artistas y compañías artísticas deben adoptar estos sistemas de gestión de su producción y distribución si quieren sacar el máximo provecho a sus escasos recursos. Sin duda, la mayoría de artistas que empiezan su carrera trabajan ahora de esta manera, el problema surge cuando en un intento de consolidarse se les hace necesario pasar a estructuras más sofisticadas del mundo mercantil.

Sidi Larbi y Akram Khan, maximos exponentes de la creatividad escénica, desarrollaron sus carreras a partir del acompañamiento de estructuras consolidadas

Hay otro sistema que considero mucho más efectivo aunque requiere de un alto nivel de preparación y experiencia. Se trata de apoyarse en estructuras de gestión y acompañamiento artístico que trabajan con varios artistas simultáneamente. En ellas se concentran los recursos necesarios y conocimiento para gestionar parte o totalmente las labores de los artistas asociados. Estas, a diferencia de las empresas de distribución al uso, han de estar íntimamente comprometidas con el trabajo de los artistas y no sólo gestionar sino también guiar el desarrollo de su carrera. Este modelo crece en Europa a partir de empresas clásicas de distribución que han evolucionado con el tiempo y la experiencia como, por ejemplo, Artsadmin en Londres, Campo (ex-Victoria) en Bélgica o en Barcelona MOM-El Vivero.

Aunque el responsable de sus acciones es el creador de la obra, no hay que perder de vista la que tienen los profesionales consolidados, las estructuras artísticas públicas y privadas y las administraciones de “acompañar” el desarrollo de su carrera. Todos estos deben apoyar soluciones realistas para los tiempos que corren y aplicar dosis importantes de honestidad y generosidad en sus actividades de manera que sean capaces de involucrar jóvenes creadores que quieren abrirse paso en un mundo profesional complicado pero necesitado de sus aportaciones.

by Evru. Los recortes en cultura no ayudan a repensar el modelo de producción escénica

Los tiempos son malos para los artistas  en general y para las compañías escénicas en particular. De un lado la crisis y el recorte de presupuestos en ayuntamientos y gobiernos. Por otro, el cambio de paradigma en la producción artística a partir de la revolución tecnológica y el nuevo tipo de relaciones que ha generado. Así y todo, las artes escénicas tiene un punto a favor que asegura su subsistencia y es que en este nuevo escenario on-line se mantendrá la necesidad del intercambio artístico presencial, aunque de otra manera.

Los tiempos han cambiado y este es precisamente el momento para repensar cual es el producto final de un artista escénico, aquel con el que poder vivir dignamente y permitirle seguir trabajando, más o menos, con comodidad sin acabar sucumbiendo a la comercialidad.

Con el nuevo paradigma el espacio escénico se amplia hasta el infinito

Si la actividad principal de un artista escénico ha sido producir espectáculos para ser vistos en espacios cerrados, para un público sentado en cómodas butacas, a oscuras y mirando todos en la misma dirección, habrá que mentalizarse para ampliar este ámbito tan restringido. Un creador escénico da para muchísimo más y explorar otras posibilidades no desmerece la calidad del trabajo ni la legitimidad de su arte. Se puede ser igual de creador en un escenario convencional que en una escuela, un barrio, con un grupo de ejecutivos o en un espacio virtual, por dar algunos ejemplos.

Las artes pueden colaborar con las empresas a partir de ellas mismas

Son muchas las posibilidades para un artista de ampliar su radio de acción y abarcar otros ámbitos, otros espacios, otros públicos, otras culturas. Únicamente hay que ponerse en marcha y repensar las oportunidades que el nuevo paradigma social, económico y cultural está abriendo.