Nacho Duato y la nueva gestión cultural pública en España

Nacho_Duato

Después de 20 años, Nacho Duato deja la Compañía Nacional de Danza

“Que 20 años no es nada …” dice la letra del tango y lo dice también Nacho Duato como despedida de su puesto de dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CND). Esta percepción del escaso tiempo al frente de la dirección de la CND le ha provocado un estado de perenne enfado y de agravio ante lo que parece un, llamémosle, despido injustificado.

En realidad la salida de Duato de la CND no es más que la consecuencia del proceso que con toda legitimidad iniciaron colectivos de artistas (en este caso artistas visuales) para establecer “buenas prácticas” y “códigos éticos” en la gestión de los centros artísticos de titularidad públicos. Sin lugar a dudas Duato es un coreógrafo importante de un alto nivel artístico, su único problema es haberse mantenido en una situación de privilegio respecto a otros profesionales de la danza del mismo nivel que él durante 20 años.

Staatsballet Berlin

Con el nuevo estatuto, difícilmente coreógrafos extranjeros podrán dirigir la CND

Afortunadamente van normalizándose en España funcionamientos que hasta hace muy poco eran impensables en la gestión de las entidades culturales públicas. La presentación hace tres años del “Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Artes Contemporáneo” promovido por las Asociaciones de Artistas Visuales constituyo el inicio de un periodo de revisión de las políticas de contratación de la dirección de los centros y de aproximación a una gestión transparente de los mismos. No todas las administraciones públicas lo han ido adaptando, pero algunas sí, y el INAEM es uno de los casos.

Las buenas prácticas recomiendan lo más elemental y de puro sentido común en una gestión donde se quiera favorecer el mérito y la eficiencia por encima del acomodamiento o el clientelismo. Así, recomienda concursos públicos, abiertos y transparentes en base a proyectos artísticos y de gestión, para la dirección de los centros. También promueve órganos colegiados de gobierno en donde la administración titular no tenga que estar en mayoría y donde la presencia de la sociedad civil y de expertos del sector mantengan una proporción considerable.

Centro Dramático Nacional

¿Se aplicará algún día el Documento de Buenas Prácticas a todos los teatros de titularidad pública?

La presentación del “Estatuto de la Compañía Nacional de Danza”, sin duda es un paso adelante hacía una gestión de la cultura abierta, democrática y con visión para obtener resultados artísticos de calado. En el se recogen puntos como “la selección del Director de la CND se llevará a cabo mediante un proceso abierto y transparente” o “los candidatos deberán presentar un proyecto artístico”. Además, la duración del contrato se fija en 5 años ampliables a 3 más. Juntamente al Estatuto ha aparecido también las “Bases para el Concurso de la Dirección Artística de la Compañía Nacional de Danza” lo que significa que el proceso ya ha empezado.

Sin duda sería un avance ver al frente de la CND por periodos de 5 años a coreógrafos y coreógrafas que llevan muchos tiempo luchando duro por hacerse un lugar en la danza, empresarios a su pesar y eternos sufridores de la solicitud de subvención anual, último y necesario recurso para mantener sus estructuras vivas un añito más.

Los Teatros de Berlín. Manual para Gestores Culturales

A raíz del viaje que organicé el año pasado a Berlín para la Red de Teatros Públicos de España, se ha editado este manual de los principales teatros de esta ciudad. El informe se puede descargar en http://www.redescena.net/descargas/proyectos/berlinfinal.pdf

Volksbühne de Berlin

Volksbühne de Berlin

Me parece de lectura recomendada para los gestores culturales de teatros y espacios escénicos. No solo por la información que da sino para conocer otras visiones y maneras de gestionar un espacio cultural diferentes y singulares respecto a otros países como España. El modelo de Repertorio alemán queda perfectamente definido e identificado en este manual.

En el podréis encontrar los rasgos característicos de teatros de histórica solera como el  Schaubühne, Deutsches Theater o Volksbühne; espacios escénicos ligados a los movimientos más vanguardistas de Berlin como  HAU 1,2,3, Radialsystem o Sophiensaele, y lo más clásico y conservador de Berlin como el Staatsballett Berlin y la Staatsoper unter den Linden. También encontrareis una visión horizontal de la estructura de creación y exhibición escénica de una ciudad mediana como Potsdam.

Los Teatros Convertidos en Cementerios Según Roger Bernat

Publicado originalmente en La Coctelera el 29-Julio-2009

Vale la pena leer este artículo de Roger Bernat “No Teatros, Cementerios” publicado en El Mundo. Da mucho que pensar sobre la situación del teatro contemporáneo en España.
http://www.elmundo.es/papel/2009/07/09/catalunya/17318239.html

Ciertamente esta es una situación insostenible. Cuanto dinero público que debería destinarse a fomentar la creatividad de todos está siendo usado para difundir la cultura más banal o los intereses de la confrontación partidista.

Y para amenizar la lectura del texto de Roger Bernat, un vídeo de una de sus producciones.

Manifiesto MACC (Mercado Atlántico de Creación Contemporánea)

Publicado originalmente en La Coctelera el 6-Mayo-2009

Después de todo el proceso de conceptualización, diseño y, la semana pasada, realización del MACC, ha quedado este magnífico manifiesto. Ha valido la pena las energías invertidas para llegar a sintetizar en estas líneas las inquietudes de artistas y profesionales de la cultura ante el papel de las artes y la creación artística en el mundo que se avecina.

Momentos del MACC

Manifiesto MACC

1. Somos una comunidad de creadores que, desde macc, concibe la creación contemporánea como un ejercicio radicalmente distinto al del pasado y que nos exige nuevas responsabilidades artísticas y sociales.

2. La creación contemporánea no gira, como en las prácticas convencionales, alrededor del producto sino del proceso. La creación nos enfrenta más a un trayecto que a un resultado, más a un procedimiento que a una meta. En el arte y la cultura de comienzos del siglo XXI más que las obras o las piezas, importan las experiencias, los caminos. Más que el qué, el cómo.

3. Ya no es significativa la disciplina que el creador practica, sino su actitud ante el proceso de creación. Da igual que sean las artes plásticas, el diseño audiovisual, la música, la arquitectura, las artes escénicas o la literatura; da igual que uno sea artista o artesano; que cree productos o propicie vivencias. Lo que importa es la actitud con que lo haga. Hoy, creador es quien hace pan o quien lo lanza al público en una perfomance. O ninguno de los dos.

4. La creación no es sólo el ejercicio individual del artista sino el talento colectivo de los grupos. Antes se entendía que el proceso creativo se limitaba a la acción del artista. Ahora sabemos que en ese proceso intervienen otros actores sin los cuales no hay creación. Porque el creador ya no está sólo frente a la obra. Su trabajo depende también del trabajo de los otros. No hay creación contemporánea si no admitimos esa interdisciplinariedad.

Momentos del MACC

5. El reconocimiento de lo colectivo, del carácter colaborativo de los procesos creativos, nos obliga, incluso, a revisar el concepto de autoría, el concepto de propiedad intelectual. Lo contemporáneo ha difuminado las fronteras entre el autor y el usuario, entre la creación y la función de lo creado.

6. La creación contemporánea no entiende de especialidades. En nosotros se hace evidente que el mestizaje y la diversidad es el argumento principal de la vida. La hibridación es consustancial a las nuevas tendencias creativas. Ni siquiera hay creadores para la cultura, sino desde la cultura.

7. El proceso artístico no es sólo estético sino ético. Para superar las crisis, como ésta que ahora nos preocupa, es necesario figurarnos lo que no existe. Y los creadores, acostumbrados a la imaginación, reclamamos nuestro papel como imaginadores del futuro. El creador tiene una responsabilidad ante los tiempos, aunque sea sólo la responsabilidad del presentimiento, de la visión que niega la evidencia. Porque si las certezas repiten modelos conocidos; los presentimientos, en cambio, proporcionan nuevas posibilidades.

8. macc ni es ni quiere ser un exhibidor de artistas; sino un exhibidor de procesos creativos. Con esa voluntad, y con la de seguir siendo punto de encuentro, proclamamos nuestra voluntad de seguir encontrándonos aquí o en cualquier otro sitio del Atlántico.

La Creatividad se va de Compras

Publicado originalmente en La Coctelera el 2-Diciembre-2008

¿Qué cara tiene la creatividad? ¿Cómo se reconoce? ¿Cómo se distribuye? ¿Se compra a kilos, a metros o en sacos de 50? Estas preguntas (bien, más o menos estas preguntas) te las encuentras a menudo formuladas por personas de rango y formalidad. En realidad, se ofrecen a ayudarte a sacar el máximo rendimiento a un intangible que de por si tiene difícil medición y clasificación. Te dicen “es que si no utilizas las técnicas de márquetin modernas nadie se va a enterar de que la creatividad existe” y, también, “la innovación hay que venderla”. Pues, nada, a medir, clasificar y ordenar.

En esto nos hemos puesto a pensar un grupo de colegas bajo la batuta de Manel Montañes. En un principio, a descubrir como la creatividad y la innovación de los artistas puede ser ofrecida a los diferentes sectores culturales, sociales y económicos para que hagan uso de ella. En segundo lugar a crear una plataforma de contacto entre gentes que tienen grandes ideas innovadoras y otras que necesitan de estas ideas para desarrollar su propio proyecto. Unos y otros se complementan y nuestra labor va a ser ponerlos en contacto.

En este proceso ha nacido el “MACC – Mercado Atlántico de Creación Contemporánea” con el objetivo de crear un punto de encuentro físico de las personas que hacen de la innovación artística una necesidad para su supervivencia. Pasito a pasito el MACC se ha ido desarrollando y ahora ya tiene fecha y lugar de realización: va a ser en el Auditorio de Santa Cruz de Tenerife del 23 al 25 de Abril de 2009. Quien tenga una idea o quiera recoger un torrente de ellas ya se puede inscribir en la web del MACC.

Para ilustrar, dos magníficos vídeos que muestran el poder de la cultura en el desarrollo de la sociedad de la innovación.

El primero lo ha realizado Àngel Mestres de Trànsit Projectes con voluntad de definir cómo ha de ser la cultura del futuro y el papel de la innovación en este futuro.

El segundo vídeo es un buen ejemplo de cómo la gran empresa multinacional BMW aprovecha los conceptos de clases creativas definidos por Richard Florida para vender coches: BMWs most successful ad campaign based on the Creative Class

De Viaje con la Red de Teatros Públicos

Publicado originalmente en La Coctelera el 12-Noviembre-2008

Viajar es de las actividades más sanas que hacemos los humanos para abrirnos la mente y descubrir otras maneras de ver y hacer. Si los viajes se hacen para conocer otras experiencias de nuestro mismo ámbito profesional y la manera que colegas de otros países se las ingenian en el día a día de su actividad, el beneficio para el desarrollo propio es indudable. Si además los viajes se realizan en compañía de personas de tu mismo país y entorno con los que durante unos días puedes comentar lo que vas descubriendo, la ventaja es todavía superior.

De visita por el National Theatre de Londres

Estos son los principios que sustentan los viajes que he venido diseñando para la Red Española de Teatros Públicos y, antiguamente, para otras instituciones culturales. En concreto, con la Red de Teatros ya hemos hecho visitas a los teatros de Londres y Berlín, y por lo que parece, los resultados han sido excelentes.

En 2007 fuimos a Londres donde visitamos los principales teatros de la ciudad e hicimos una excursión adicional al teatro de Oxford (descargar informe del viaje en www.escenaintbcn.org/Publicaciones.htm). En 2008 el viaje ha sido a Berlín donde hemos visitado también los teatros de la capital y de la vecina ciudad de Potsdam (descargar programa en http://www.escenaintbcn.org/Proyectosactuales.htm). En los teatros visitados se mantuvieron reuniones con los directores de las diferentes áreas donde se hablo de las políticas artísticas, del marketing, los proyectos pedagógicos, el encaje en la comunidad y la política financiera. Por otra parte también se visitaron las instalaciones y el equipamiento técnico.

En el Shaubühne de Berlín

Londres y Berlín representan dos modelos radicalmente diferentes de gestionar los teatros. Por una parte, los de Londres obtienen recursos públicos limitados y, por lo tanto, para cuadrar sus presupuestos tienen que afilar el ingenio para obtener financiación privada y vender el máximo de entradas. Además los teatros británicos tienen una orientación social muy elevada por lo que sus proyectos educativos y comunitarios son una parte inexcusable de su actividad. Tanto la necesidad de obtener recursos externos como el protagonismo de la actividad educativa y comunitaria se reflejan en su día a día ya que los espacios están en continua actividad desde la mañana hasta bien entrada la noche. Los teatros de Londres, y en general los de todo el Reino Unido, están siempre en continua actividad.

Por otra parte la realidad de Berlín (y en general la de los teatros alemanes) es bien diferente. La mayoría de teatros alemanes funciona con el sistema llamado de Repertorio. Estos son enormes estructuras de producción y exhibición los cuales disponen de una serie de espectáculos en cartel que pueden ir cambiando prácticamente a diario. Los costes de tan enorme estructura son muy elevados y están cubiertos en casi su totalidad por las instituciones públicas municipales o regionales. La parte negativa de este modelo es que quedan muy pocos recursos públicos para ayudar a los artistas independientes, a los jóvenes y a los más innovadores. A raíz del modelo de Repertorio y, también, por razones históricas (el Muro), Berlín ha podido desarrollar una muy potente escena alternativa que relaja considerablemente la dureza del modelo alemán de repertorio y ha situado sus creadores en la vanguardia del teatro contemporáneo europeo.

La Danza Contemporánea se Examina en el mov-s

Publicado originalmente en La Coctelera el 10-Diciembre-2008

El proyecto del Mov-s lo empezamos a desarrollar conjuntamente con Cesc Casadesus hace unos tres años con la esperanza de crear un lugar de encuentro internacional para los profesionales vinculados a la danza y las artes del movimiento. En España existe una falta de espacios para el debate y el intercambio de información en las artes escénicas contemporáneas y, aun menos, donde participen expertos internacionales con los que poder confrontar las experiencias. En Mov-s, además, pretendíamos que la presencia de los artistas fuera notable, tanto su voz como sus creaciones.

Mi paisano el tortosí Roberto Oliván presento en el Mov-s / Galicia este maravilloso “Kiosko das almas perdidas” junto a Mercedes Peón. Una gozada.

Uno de nuestros deseos es que pudiera ser itinerante dentro de España. Cambiar de escenarios permitiría que cada una de sus ediciones pudiera entenderse no sólo a escala nacional e internacional sino, también, local. Especialmente nos interesaba sumergirnos en la realidad artística de las ciudades y comunidades donde el Mov-s se realizaría.

Con estos buenos propósitos, iniciamos el Mov-s en abril de 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona y en 2008 en Galicia.

Capitán, a toda máquina rumbo San Simón

En junio de 2008 el Mov-s se trasladó a Galicia, a la hermosa islita de San Simón, en la ría de Vigo. En colaboración con el Centro Coreográfico Gallego, la isla de San Simón nos acogió en una especie de retiro artístico-espiritual que resultó extremadamente estimulante. Los temores de que apartados de una gran ciudad la asistencia se reduciría fueron totalmente infundados. También las presentaciones de artistas gallegos, en la isla y en la ciudad de Pontevedra, permitieron comprobar la fuerza que la creación escénica contemporánea está teniendo en Galicia.

Bailando en la isla

En Galicia, los debates del Mov-s giraron en torno a “las condiciones para la creación coreográfica”. En dos jornadas completas de encuentros se fueron desgranando temas relativos a los centros de creación, la movilidad artística, los entornos y el acompañamiento artístico, la memoria de la danza y las políticas culturales de desarrollo de la danza. Todos, en su conjunto, pueden servir de referencia y modelo de buenas prácticas para que en un país, ciudad o región, la creatividad pueda florecer.

Momentos de gran concentración

Sería imposible sintetizar lo hablado, pero el clima de la isla y el ambiente tranquilo de la reunión permitió llegar a importantes niveles de compenetración y diálogo entre los asistentes cosa que es tan importante como las conclusiones en sí mismas. De todas maneras, como ya se hizo en el Mov-s de Barcelona, las ponencias serán publicadas y presentadas en la próxima edición. Los programas de Mov-s Galicia y de Barcelona se pueden encontrar en www.mov-s.org

Aunque el futuro del Mov-s está asegurado, todavía no sabemos con exactitud dónde se va a realizar y en que fechas. Todo parece indicar que se va a retrasar un poquito y, muy probablemente, el nuevo Mov-s tenga lugar en el primer trimestre de 2010 en una capital de España.