“mov-s/madrid 2010” – El Espectador Activo

Texto de presentación de “mov-s/madrid 2010” que tendrá lugar en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y espacios escénicos de la ciudad del 10 al 13 de Junio. Información en www.mov-s.org

Bajo el título genérico del “Espectador Activo”, la tercera edición del mov-s pretende profundizar en la realidad del público actual; cómo puede enriquecerse pasando de espectador pasivo a espectador emancipado y resuelto a ser protagonista en su relación con el artista. Considerar un espectador involucrado íntimamente con el trabajo del artista es un camino poco explorado por las artes, en particular por la danza y las artes del movimiento, como camino para el acceso de un mayor número de personas a la creación artística.

“Bal Moderne” de la compañía de danza Rosas: “El espectador también puede bailar”

Los aspectos que hacen de las personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la creación escénica contemporánea, van de la mano del conocimiento y la interacción con los artistas. Además, en numerosas ocasiones, es la propia actividad creativa del espectador o de su comunidad la verdadera autora de la obra artística. Por otra parte, para conocer mejor el espectador hay que tener en cuenta que actualmente la participación no conoce distancias geográficas ni se ciñe a tiempos preestablecidos, por lo que las redes o comunidades se flexibilizan hasta alcanzar formas, tamaños y ámbitos inusuales.

Cesc Gelabert baila con los jóvenes en un centro de enseñanza de Barcelona

Tanto artistas como responsables de centros artísticos, programadores o instituciones, consideran la presencia y el crecimiento del número de espectadores como labor prioritaria. Desgraciadamente esta es una tarea muchas veces condenada al fracaso cuando los métodos de desarrollo de las audiencias se han centrado únicamente en el más puro estilo del márqueting clásico. La apuesta por otro tipo de relación con el espectador que se sustente también en otro tipo de artes escénicas abre nuevos caminos aún por indagar.

“Ruedapies Danza”: La danza como elemento integrador.

Para profundizar en los diferentes matices referentes al “Espectador Activo” se invitará a expertos teóricos nacionales e internacionales y a profesionales que, a partir de su experiencia, destacan por su conocimiento del espectador y por desarrollar actividades de acercamiento al espectador. Los invitados detallarán sus propuestas en sesiones plenarias para que después sean los “espectadores” participantes en el mov-s quienes tomen la palabra en grupos más reducidos.

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De Viaje con la Red de Teatros Públicos

Publicado originalmente en La Coctelera el 12-Noviembre-2008

Viajar es de las actividades más sanas que hacemos los humanos para abrirnos la mente y descubrir otras maneras de ver y hacer. Si los viajes se hacen para conocer otras experiencias de nuestro mismo ámbito profesional y la manera que colegas de otros países se las ingenian en el día a día de su actividad, el beneficio para el desarrollo propio es indudable. Si además los viajes se realizan en compañía de personas de tu mismo país y entorno con los que durante unos días puedes comentar lo que vas descubriendo, la ventaja es todavía superior.

De visita por el National Theatre de Londres

Estos son los principios que sustentan los viajes que he venido diseñando para la Red Española de Teatros Públicos y, antiguamente, para otras instituciones culturales. En concreto, con la Red de Teatros ya hemos hecho visitas a los teatros de Londres y Berlín, y por lo que parece, los resultados han sido excelentes.

En 2007 fuimos a Londres donde visitamos los principales teatros de la ciudad e hicimos una excursión adicional al teatro de Oxford (descargar informe del viaje en www.escenaintbcn.org/Publicaciones.htm). En 2008 el viaje ha sido a Berlín donde hemos visitado también los teatros de la capital y de la vecina ciudad de Potsdam (descargar programa en http://www.escenaintbcn.org/Proyectosactuales.htm). En los teatros visitados se mantuvieron reuniones con los directores de las diferentes áreas donde se hablo de las políticas artísticas, del marketing, los proyectos pedagógicos, el encaje en la comunidad y la política financiera. Por otra parte también se visitaron las instalaciones y el equipamiento técnico.

En el Shaubühne de Berlín

Londres y Berlín representan dos modelos radicalmente diferentes de gestionar los teatros. Por una parte, los de Londres obtienen recursos públicos limitados y, por lo tanto, para cuadrar sus presupuestos tienen que afilar el ingenio para obtener financiación privada y vender el máximo de entradas. Además los teatros británicos tienen una orientación social muy elevada por lo que sus proyectos educativos y comunitarios son una parte inexcusable de su actividad. Tanto la necesidad de obtener recursos externos como el protagonismo de la actividad educativa y comunitaria se reflejan en su día a día ya que los espacios están en continua actividad desde la mañana hasta bien entrada la noche. Los teatros de Londres, y en general los de todo el Reino Unido, están siempre en continua actividad.

Por otra parte la realidad de Berlín (y en general la de los teatros alemanes) es bien diferente. La mayoría de teatros alemanes funciona con el sistema llamado de Repertorio. Estos son enormes estructuras de producción y exhibición los cuales disponen de una serie de espectáculos en cartel que pueden ir cambiando prácticamente a diario. Los costes de tan enorme estructura son muy elevados y están cubiertos en casi su totalidad por las instituciones públicas municipales o regionales. La parte negativa de este modelo es que quedan muy pocos recursos públicos para ayudar a los artistas independientes, a los jóvenes y a los más innovadores. A raíz del modelo de Repertorio y, también, por razones históricas (el Muro), Berlín ha podido desarrollar una muy potente escena alternativa que relaja considerablemente la dureza del modelo alemán de repertorio y ha situado sus creadores en la vanguardia del teatro contemporáneo europeo.

La Danza Contemporánea se Examina en el mov-s

Publicado originalmente en La Coctelera el 10-Diciembre-2008

El proyecto del Mov-s lo empezamos a desarrollar conjuntamente con Cesc Casadesus hace unos tres años con la esperanza de crear un lugar de encuentro internacional para los profesionales vinculados a la danza y las artes del movimiento. En España existe una falta de espacios para el debate y el intercambio de información en las artes escénicas contemporáneas y, aun menos, donde participen expertos internacionales con los que poder confrontar las experiencias. En Mov-s, además, pretendíamos que la presencia de los artistas fuera notable, tanto su voz como sus creaciones.

Mi paisano el tortosí Roberto Oliván presento en el Mov-s / Galicia este maravilloso “Kiosko das almas perdidas” junto a Mercedes Peón. Una gozada.

Uno de nuestros deseos es que pudiera ser itinerante dentro de España. Cambiar de escenarios permitiría que cada una de sus ediciones pudiera entenderse no sólo a escala nacional e internacional sino, también, local. Especialmente nos interesaba sumergirnos en la realidad artística de las ciudades y comunidades donde el Mov-s se realizaría.

Con estos buenos propósitos, iniciamos el Mov-s en abril de 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona y en 2008 en Galicia.

Capitán, a toda máquina rumbo San Simón

En junio de 2008 el Mov-s se trasladó a Galicia, a la hermosa islita de San Simón, en la ría de Vigo. En colaboración con el Centro Coreográfico Gallego, la isla de San Simón nos acogió en una especie de retiro artístico-espiritual que resultó extremadamente estimulante. Los temores de que apartados de una gran ciudad la asistencia se reduciría fueron totalmente infundados. También las presentaciones de artistas gallegos, en la isla y en la ciudad de Pontevedra, permitieron comprobar la fuerza que la creación escénica contemporánea está teniendo en Galicia.

Bailando en la isla

En Galicia, los debates del Mov-s giraron en torno a “las condiciones para la creación coreográfica”. En dos jornadas completas de encuentros se fueron desgranando temas relativos a los centros de creación, la movilidad artística, los entornos y el acompañamiento artístico, la memoria de la danza y las políticas culturales de desarrollo de la danza. Todos, en su conjunto, pueden servir de referencia y modelo de buenas prácticas para que en un país, ciudad o región, la creatividad pueda florecer.

Momentos de gran concentración

Sería imposible sintetizar lo hablado, pero el clima de la isla y el ambiente tranquilo de la reunión permitió llegar a importantes niveles de compenetración y diálogo entre los asistentes cosa que es tan importante como las conclusiones en sí mismas. De todas maneras, como ya se hizo en el Mov-s de Barcelona, las ponencias serán publicadas y presentadas en la próxima edición. Los programas de Mov-s Galicia y de Barcelona se pueden encontrar en www.mov-s.org

Aunque el futuro del Mov-s está asegurado, todavía no sabemos con exactitud dónde se va a realizar y en que fechas. Todo parece indicar que se va a retrasar un poquito y, muy probablemente, el nuevo Mov-s tenga lugar en el primer trimestre de 2010 en una capital de España.

El Auge de los Laboratorios de Danza en Europa

Publicado originalmente en La Coctelera el 12-Febrero-2006

Metal en Londres y La Villette en París. Estructuras virtuales de creatividad

“Los laboratorios son estructuras virtuales de creatividad donde conviven libremente los presentimientos (hunchs), las sensaciones y las intuiciones”. Estas palabras de Jude Kelly, fundadora de Metal, me impresionaron cuando la conocí en Londres mientras se ocupaba, hará un par de años, del proyecto cultural de la Candidatura Olímpica de Londres 2012. A continuación siguió diciendo, “las certidumbres repiten modelos conocidos, en cambio, los presentimientos, proporcionan nuevas posibilidades”.

Verdaderamente me sorprendió que una señora con una responsabilidad tan alta en temas culturales hablara con tanta claridad y apasionamiento de los procesos creativos. Pero, precisamente, Jude Kelly fundó Metal para permitir que esto sucediera. En estos momentos, apeada del proyecto olímpico, ha pasado a la dirección artística del South Bank de Londres, una de las instituciones culturales más grandes de Inglaterra que, en el campo de la danza, introdujo Akram Khan en los circuitos internacionales.

Metal dispone de espacios en Londres y Liverpool que, según Jude “son espacios vacíos, símbolos de posibilidades” que gestiona “como si estuviese dirigiendo un ensayo”, probando. Y añadió, “la creatividad es investigación y presentimiento, hay que poner la creatividad en el centro de todo” (www.metalculture.com)

Otro ejemplo de gran institución cultural europea que está adoptando criterios basados en dar primacía a la investigación es La Villette de París. Llevo muchos años compartiendo proyectos y espacios de debate con Pierre Hivernat, su director de espectáculos, y no me sorprendí cuando me explicó los nuevos rumbos de La Villette que, de ser un centro básicamente dedicado a la exhibición artística, complementara su actividad con una política nueva de laboratorios y residencias. Pierre Hivernat se considera un abogado de las injusticias del sistema; de este sistema al que le cuesta muchísimo adaptarse a los nuevos lenguajes y a aceptar a los jóvenes talentos que sufren la falta del necesario relevo generacional (www.lavillette.com)

El proceso antes que el producto

Una visión puramente mercantilista de la creación artística demanda la obtención de resultados concretos, en un periodo de tiempo determinado, para ponerlos en el mercado y obtener rápidamente beneficios. Así funcionan las leyes del mercado a las que se adhieren mayoritariamente las instituciones culturales en sus políticas de apoyo a la creación y la difusión artística. Paradójicamente, el trabajo de los artistas se mueve por coordenadas diferentes, de manera que la sincronización entre las unas y las otras provoca fricciones que desdibujan los resultados que el artista pretende obtener.

En esta dinámica (producto / mercado) se olvida una parte clave, previa a los procesos de producción, la investigación. Así, en muchos países de Europa, la presión de los artistas está imponiendo nuevas estructuras dedicadas exclusivamente a la experimentación y, cómo no, la danza está al frente en su desarrollo. Los centros están adaptados a las necesidades de los artistas para investigar, probar ideas nuevas o indagar en otras técnicas y formas artísticas. Son estructuras multidisciplinares relativamente libres de la presión del tiempo donde se valoran los procesos de trabajo y los discursos artísticos antes que los resultados finales. En estos espacios, conocidos como laboratorios o espacios de trabajo (work place), se ponen a disposición de los artistas los servicios necesarios para que puedan realizar su proyecto experimental independientemente del circuito de distribución al cual, probablemente, no recurrirán.

En muchos casos los laboratorios artísticos realizan una labor de “acompañamiento” del artista o de la compañía, de esta manera la estructura ofrece apoyo administrativo, técnico y, en los casos en que exista una dirección artística fuerte, se les ofrece asesoramiento a nivel creativo.

Los work places suelen ser estructuras dirigidas por organizaciones sin ánimo de lucro ligadas a artistas, grupos de artistas o productoras independientes. Se financian mayoritariamente por acuerdos de subvención plurianuales con las instituciones públicas aunque en el Reino Unido y Holanda las fundaciones privadas tienen también un papel importante en su sostén y desarrollo.

WP Zimmer y el Artsadmin Artists’ Bursary Programme

En diferentes ocasiones he tenido oportunidad de visitar estos espacios y conversar con la gente que los dirige. Puedo asegurar que siempre he encontrado gente entusiasta y con unos criterios muy sólidos que les permiten sobrevivir y, cada vez más, seducir con su manera de trabajar a los centros oficiales y a las compañías establecidas. En un estudio que hice recientemente para el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya en que analizaba las políticas y las prácticas de apoyo a la creación escénica en diferentes países de Europa, he podido constatar que los laboratorios en el sector de la danza y los principios que los sustentan se están desarrollando rápidamente.

Un centro pequeño pero de gran influencia en Europa es WP Zimmer de Amberes. Zimmer significa alojamiento y WP werkplaats, el nombre que en neerlandés se da a los laboratorios artísticos, por tanto WP Zimmer es un alojamiento para que los artistas trabajen como en un laboratorio. Su directora, Barbara Van Lindt, me explicaba que cuando trabajan con un artista o una compañía nueva analizan con ellos cuales son sus necesidades y se las proporcionan. Ofrecen ayuda a los artistas que empiezan y no tienen acceso a las ayudas institucionales, de manera que facilitan espacios de trabajo, asesoramiento para crear su estructura administrativa y para desarrollar su carrera profesional (www.wpzimmer.be)

Otro caso interesante es el de Artsadmin en Londres. En sus más de 25 años de existencia se han creado una reconocida fama internacional por ser los managers de DV8 Physical Theatre, Forced Entertainment, Moti Roti o Station House Opera. Además son capaces de acoger artistas que en su país son prácticamente desconocidos y, de su mano, llegan a ser referentes en Europa, como por ejemplo La Ribot.

En la actualidad Artsadmin ya no es únicamente una agencia de artistas, se ha convertido en un verdadero centro de apoyo y desarrollo de las artes contemporáneas. De la mano de Judith Knight i Nicky Childs, Artsadmin proporciona asesoramiento, acompañamiento, talleres, presentaciones y un completo sistema de ayudas (Artsadmin Artists’ Bursary Programme) para que los artistas puedan desarrollar trabajos de investigación.

En Toynbee Studios, unos antiguos talleres de cuatro plantas en el East London, ha creado Artsadmin el centro para la creación y el desarrollo de trabajos artísticos innovadores. Disponen de estudios de danza, de grabación de vídeo y despachos para las compañías. Según comentan sus responsables el Artsadmin Artists’ Bursary Programme es el proyecto de Artsadmin que proporciona a los artistas “tiempo para crear, espacios y ayuda financiera para los artista que presionan los límites de la práctica artística” y, añaden, “su singularidad es que pone énfasis en la calidad de las ideas más que en la rigidez de una práctica artística específica” (www.artsadmin.co.uk)
Que a España siempre lleguen tarde las nuevas ideas que se desarrollan en Europa no significa que siempre tenga que ser así. Los laboratorios son un buen modelo para comenzar a construir una estructura creativa para la modernización de la danza. Hay más modelos. La capacidad de conocerlos y compartirlos impulsará el desarrollo artístico.